Como si leyera un sueño: Crónica del pájaro que da cuerda al mundo del maestro Haruki Murakami

Dos críticas y me ausento tres meses. Una mala racha para un nuevo blog. Mal hecho Enrique, muy mal hecho.
Y ya después de dedicarme unas palabras de autoflagelo comienzo con la tercera crítica. Ésta vez va para la literatura. Y el autor que trataré se llama: Haruki Murakami.
Su nombre ha sonado desde hace tiempo entre cualquier grupo literario. Pero sus obras siguen siendo un misterio.
A éste autor lo llevo conociendo desde hace menos de un año y ya llevo varias de sus obras leídas. Incluso podría decir que actualmente es mi escritor favorito. De hecho fue él el responsable de que retome el vicio de la literatura, que había dejado atrás hace mucho tiempo. Lo comencé a leer por simple curiosidad: En pocas palabras, una amiga me habló de su obra más famosa: Norwegian Wood -aquí llamada Tokyo Blues-, con una emoción tan grande que me surgieron las ganas de leer algo de "La famosa Haruki Murakami" (efectivamente: creí que Haruki era nombre de mujer). Y un día que me dio por esculcar los títulos que hay entre los libreros de la casa, me encontré con la sorpresa de que tenía una obra de éste autor, llamada: Al sur de la frontera, al oeste del sol. Y cuando lo abrí y vi la fotografía me encontré con otra sorpresa: ¡Haruki Murakami es un hombre!
Comencé el libro, cuya narración en primera persona no era más que una descripción de cómo fue su infancia en el Japón de la post-guerra, y de cómo lo veían como un bicho raro por ser hijo único. Pocas cosas ocurrían en la historia. Sin embargo, su manera tan peculiar y refinada de contarlo, hizo que no pudiera soltar sus palabras y que como río fluyera con sus letras hasta que me interrumpió el tiempo y lo dejé olvidado cerca de la página ochenta.
No lo retomé hasta un mes después. Y aquel día recorrí las cerca de doscientas páginas que aún me faltaban.
Antes del final, el libro parecía ser una historia muy bien escrita sobre un hombre que creció en el Japón de la post-guerra, su vida, sus logros y sus amoríos. Pero en el último capítulo Murakami tuerce todas las líneas que fue creando y convierte todo lo que era el libro en una metáfora en la cuál los detalles más sutiles convergen y explotan para crear una maravilla de final abierto.
El libro tiene la peculiaridad de tener pequeñas subhistorias de los personajes secundarios, que a momentos llegan a ser más interesantes que la historia principal misma. Sin embargo, en este caso es algo bueno, ya que son el alimento de la historia principal.

Así fue como me introduje a la literatura de Murakami. Y aquí es donde comienzo la verdadera crítica.
Los meses transcurrieron y me compré el libro más extenso de Haruki: Crónica del pájaro que da cuerda el mundo. No por la extensión -de hecho en aquel momento quería leer algo corto- sino porque me llamó la atención la sinopsis que viene en la parte trasera del libro.
Tan pronto llegué a mi casa desgarré el plástico que envolvía al libro, lo abrí y comencé a leer.
Lo primero que noté fue que éste también está narrado en primera persona. Por un personaje también solitario. Pero desde el momento en que recibe una llamada de una mujer con voz desconocida, quedé inmerso en la historia.
Mientras uno avanza en el libro el lector puede notar algo muy interesante: Murakami maneja un ambiente completamente cotidiano en el que de la nada suceden cosas extrañas -y con extrañas me refiero a tan extrañas como un día despertar y descubrir que hay un camello en la azotea de tu casa, del cuál nunca sabrás cómo llegó ahí- (esto es una comparación, no es algo que pase en el libro). Y sin embargo el protagonista: Tooru Okada las acepta con toda naturalidad como si fueran cosa de todos los días.
El libro transcurre a paso lento pero seguro. Con un fuerte énfasis en la descripción de los lugares y personajes para crear una atmósfera clara. De manera que uno se familiariza tanto con el ambiente, que cuando ocurren cosas extrañas uno siente que está leyendo un sueño. Y aquí se encuentra el encanto de la obra: En que el lector no puede evitar sentir que está en un ambiente cada vez más onírico.
Cosas que enfatizan esta ambientación son los hechos extremadamente cotidianos. Por ejemplo: El protagonista se puede definir con una palabra: "Huevón", que en mexicano significa "Extremadamente perezoso". Que en un lenguaje más formal para una obra literaria es calificado como "personaje pasivo". Es un hombre que tenía lugar asegurado en un buffet de abogados y sin embargo decide abandonarlo (de ahí parte el libro). Pasa meses dejando que su esposa trabaje hasta que encuentre un rumbo en su vida. Y cuando su esposa desaparece no llama a la policía, no la busca; sólo la espera pacientemente.
Con un personaje así de pasivo la historia no puede transcurrir por sí misma. Así que se ve forzada a transcurrir gracias a los personajes, extraños, pero fascinantes que llegan a él.
Ellos lo fuerzan a moverse en cierta manera. Pero los métodos que él utilizará son los menos convencionales, como descender hasta el fondo de un profundo pozo seco para ponerse a pensar. Si uno se pone a reflexionar sobre ello se dará cuenta que es una opción que nadie tomaría. por la manera de estar narrada, toda acción que hace el personaje logra sentirse como lo más natural. Lo correcto. Lo que cualquier persona haría. Y no es hasta que uno se pone darle vueltas al asunto, que dice: "¿Quién chingados hace esas cosas?"
Mientras el libro avanza, la atmósfera se va volviendo cada vez más extraña y oscura. Uno deja de comprender las cosas y simplemente las acepta como parte de la experiencia. Y a momentos uno se llega a sentir como cuando ve una película de David Lynch o Satoshi Kon (de quienes en otra crítica hablaré).

<<<Ahora hablaré del libro entrando más en detalles narrativos. De aquí en adelante, aunque voy a evitar poner spoilers acerca de los puntos de giro importantes de la historia, podré arruinar a los que no la han leído ciertas sorpresas acerca de lo que ocurrirá más adelante>>>

El libro se reduce en pocas palabras a un adulto joven, de alrededor de 30 años de edad que queda destrozado después de la desaparición se su esposa. Antes de desaparecer ya estaban ocurriendo cosas extrañas a su alrededor; todo comenzó con el hecho de haber salido de su empleo. Pero suceden cosas extrañas que lo hacen moverse de donde está. El detonante: La desaparición de su gato. El gato de su esposa.
Ese gato desaparecido lo lleva a conocer a May Kasahara (mi personaje favorito, por cierto): una muchacha de dieciséis años coja que está obsesionada con temas de la muerte, el desgaste y la decadencia del ser humano. Ella trata al protagonista como su amigo, y sin embargo lo voltea todo en su contra los momentos críticos.
Malta Kanoo: una adivina que trabaja gratuitamente ya que sus dones divinos no son para generar ganancias. Y su hermana, Creta Kanoo que es una prostituta de los sueños que desarrolló una indiferencia enorme ante la vida después de una vida de sólo conocer el dolor físico.
Un ex-soldado que  lo perdió todo en la guerra y le cuenta su historia a detalle y con dolor.
Una mujer que se pone de nombre Nutmeg. Aquella mujer tiene como especialidad el diseño de modas. Pero dejó de ser ese su negocio oficial cuando descubrió su poder curador. Ella tiene un hijo que perdió el habla de la noche a la mañana cuando era niño, y sin embargo ahora es un personaje impecable capaz de comunicarse sin necesidad de utilizar palabra alguna.
También pasa por su vida un hombre extremadamente feo. Ese hombre es muy bueno investigando y pasando noticias como espía de su jefe. Y sirve como su mensajero. Su nombre es Ushikawa, y cabe mencionar que quince años después, Murakami vuelve a utilizar al mismo personaje para otra de sus novelas: 1Q84; como coprotagonista.
Impulsado por los personajes y guiado por su instinto, Tooru intentará salir adelante y conseguir su objetivo. La ironía es un punto importante del libro, ya que mientras más insólito sea el camino que el protagonista tome, más cerca estará de la respuesta.
El llamado: “pájaro que da cuerda”, es un símbolo recurrente en el libro que Murakami nunca llega a explicar. Se habla acerca de algunos personajes que han llegado a escuchar aquel pájaro. Y cuando lo escuchan, los que están a su alrededor no lo hacen. Así que aquellos personajes que escuchan a aquel pájaro tienen algo en común, que suele ser una desgracia en su vida.
Pero parece ser que aquí es una señal de que su vida está a punto de recibir una cuerda que le dará marcha a algo completamente distinto.
Un niño pierde la voz; un soldado es atrapado por los rusos; el protagonista pierde a su esposa.
El pájaro que da cuerda funciona como una especie de presagio de que algo malo va a ocurrir. Está dando una advertencia a los personajes para que se preparen. Nadie sabe cómo es ese pájaro. Solamente algunos lo pueden oír y a escucharlo se limita su conocimiento.
Todos estos símbolos. Todo lo que es el libro forma una historia. Y esa historia es lo que es gracias al rompecabezas que se forma sus pequeñas piezas.

La riqueza de esta obra consta en el hecho de que cualquier pequeño detalle fantástico que tenga el libro, provoca en el lector la experiencia de estar soñando; más allá de estar leyendo. Un sueño del que uno no quiere despertar por lo fascinante que éste llega a ser. Es la ironía que nos ocurre a todos a la hora de soñar. Y a la hora de leer ocurre lo mismo.

Todo aquel que quiera entrar en esta obra tiene que saberlo: Después de leerlo, no verá la vida de la misma manera. 

Magnolia: Tres horas de sensaciones con mi película favorita.

Quizás hablar de la que es probablemente mi película favorita en mi segunda crítica no sea la mejor idea por aquello de dejar lo mejor para después. Pero ya que deseo dar a conocer esta hermosa película al resto del mundo ¿Por qué no de una vez?
Esta es una película que en verdad me marcó fuertemente. No la vi hasta los veinte años de edad, en febrero del 2012. Apenas llevaba poco menos de un año estudiando cine. Y poco más de dos años interesándome en el cine. Por aquella época Quentin Tarantino era mi máximo (aún me fascinan sus películas, sin embargo ya no lo veo tan grande como lo veía en aquel entonces).
Fue en aquella época cuando tuve una revolución tanto en gustos musicales como en gustos cinematográficos. Y todo gracias a un amigo que en verdad es culto en ese aspecto. Y este amigo fue quien me presentó esta maravilla de Paul Thomas Anderson.
A decir verdad, la primera vez que la vi no me pareció tan genial. Quizás esperaba algo distinto, lleno de humor negro y de locura. Más cercano a lo que solía ver en aquella época.
Pero no hay duda de que cuando la vi me dejó una fuerte marca que me hizo querer verla de nuevo. Cosa que no pasa con cualquier película de tres horas de duración.
Es una película compleja, de varios personajes y llena de metáforas. Uno no puede verla esperando un bocadillo fácil de digerir, pero de sabor olvidadizo, estilo Steven Spielberg.
El concepto de la película es en sí la unión metafísica de varias vidas que empiezan sin tener conexión alguna aparente. Aquella unión llega a ser tan irreal, que le película se tiene que introducir bajo historias urbanas de eventos llenos de un azar tan grande, que pueden ser calificados como inauditos. Pero a la vez narrados de una manera tan llena de detalle, que uno llega a considerar que quizás aquellas cosas hayan sucedido.
La última historia es de cómo un suicidio, que habría sido fallido de no haber sido por un asesinato accidental a medio aire de parte de los padres del muchacho -no entraré en detalles, y si tienen alguna duda vean la película-. En este caso, este evento es tan inaudito que el narrador dice: Esto no puede ser una de esas cosas que ocurren por azar, esto va más allá. Y estos eventos extraños ocurren todo el tiempo".
Y bajo esa frase introductoria comienza a sonar la canción One de Aimee Mann. Con esta canción de fondo, son introducidos todos los personajes a un ritmo de video musical. La letra habla de cómo la soledad es lo más triste. Y a pesar de que es una canción acerca de un rompimiento amoroso, en el contexto de la película se refiere a cómo estar "solo" no es una opción. En esta presentación los personajes parecen no estar conectados excepto por su lugar de vivienda que se presenta como la misma ciudad ya que una flor brota, yuxtapuesta sobre un mapa de una ciudad antes.
Son presentados desde sus deseos y su vida rutinaria a un punto que llega a ser irónico.
Los personajes son un famoso asesor sexual, un presentador de programa de preguntas y respuestas para niños, el niño genio que está concursando para este programa junto con su padre que lo presiona, un hombre que en su tiempo fue ganador en aquel programa, una joven cocainómana deprimida, un anciano moribundo con cáncer, su enfermero, su esposa que se nota en un conflicto interno y un policía honesto.
Aún no estamos seguros, pero estos personajes están unidos como los pétalos de una flor. Y en sólo un día esta flor va a retoñar.
La historia, como toda obra popular está dividida en tres actos (más una introducción y un epílogo). Cada acto es marcado con un telón que se levanta; y ese telón no es nada menos que el reporte del clima: "Parcialmente nublado con 82% de probabilidad de lluvia".
Tal como lo dice el telón, el día comienza tranquilo. Es una presentación de media hora a los personajes. O más bien una presentación de media hora a la apariencia inicial que dan los personajes. Comienzan pareciendo desagradables y antipáticos. El policía Jim ignora la ayuda de un niño; Claudia (la mujer cocainómana) no deja que su padre, Jimmy el presentador del programa (que declara que tiene cáncer), se le acerque y lo corre a gritos; Linda, la esposa del hombre con cáncer muestra cierto placer en el hecho de que su esposo vaya a morir; Earl, el hombre con cáncer le pide ayuda a su enfermero Phil para buscar a su hijo Frank, el cual es el asesor sexual y es presentado como un misógino egocéntrico que habla de las mujeres como un objeto que ganar; Donnie es un hombre al que despiden de su trabajo a pesar de que él suplica a sus jefes, ya que quiere una cirugía dental; y Stanley es un niño que estudia a más no poder para ganar.
Ya habiendo sido presentados cae el segundo telón que presenta al segundo acto como un día lluvioso.
Pero no es un simple día lluvioso, es un día con una fuerte tormenta que cae del cielo. El acto abre con uno de los mejores planos secuencia de la historia del cine. Aquí la cámara recorre ágilmente el estudio televisivo de una manera impresionante; refleja la prisa y la tensión que se encuentra en este tipo de lugares. Sigue a algunos personajes y regresa a otros con una sincronía excelente.
Conforme avanza el segundo acto, las conexiones entre todos los personajes se van desvelando, al igual que la verdadera personalidad de todos estos, que es muy distinta a aquella con la que fueron presentados.
El policía Jim se enamora a primera vista de Claudia, a pesar de saber que ésta no es la chica buena y perfecta para alguien tan honesto. Jimmy fue un abusador; y su hija aún vive con ese trauma. Linda era una mujerzuela que sólo quería el dinero de su esposo, pero ahora se arrepiente y cae en una crisis interna; mientras que Frank demuestra que su desprecio a las mujeres es su mecanismo de defensa ante la muerte de su madre; y al recibir la noticia de que su padre, que es revelado como alguien que fue un cabrón con su esposa y la dejó morir sola con su hijo, no sabe qué hacer ya que éste lo desprecia; pero a la vez Earl está totalmente arrepentido; mientras tanto, Donnie se revela como alguien que nunca ha recibido amor en su vida, que fue maltratado por su padre que le quitó todo el dinero que ganó en el concurso, y lo único que busca es el amor del hombre que ama. Gracias a éste sabemos lo que le depara a Stanley, pero este trasciende aquel destino por una suerte disfrazada de infortunio.
La opinión que teníamos de cada personaje ha cambiado por completo. En el transcurso de ese día todos nos revelan su interior. Revelan su forma de ser, y de esta forma viven su duelo hasta el punto que fallan y quedan atascados en sus propios demonios.
En aquel momento crítico, suena la canción Wise Up de Aimee Mann. La canción no parece venir de ninguna fuente más que de la mente de los personajes. Todos ellos la comienzan a cantar al mismo tiempo y ésta canción los une a todos. La canción habla de cómo la vida te tumba una y otra vez y no se detendrá hasta que decides enfrentarlo y superarlo; hacerte más sabio.
Y tras esta catarsis termina la lluvia y se abre el telón para el tercer acto.
En este tercer acto los personajes deciden trascender. Seguir lo que dice la canción. Cada uno a su manera; la cual resulta la manera más dolorosa para cada uno: Dejar ir.
Pero todos los planes son frustrados por un fenómeno natural de lo más inaudito. Sin entrar en detalles para no arruinar esta película a quien tenga deseos de verla, este desastre natural une todas las historias de manera tanto reflexiva como irreal. Hace que aprecien la vida y que se aprecien a sí mismos.
Y mientras tanto, uno como espectador no puede hacer nada más que fruncir el ceño y ver la pantalla fijamente con la boca abierta; ya que el evento resulta tan espectacular y a la vez ridículo que logrará que la película se impregne en la mente de todo el que la vea.
Todos los caminos llegan a un punto que induce que habrá una trascendencia de parte de todos los personajes. Seguirán adelante en sus vidas sin importar el dolor.
El rostro de Claudia, a pesar de que muestra un llanto reciente, sonríe y voltea a la cámara. Después de este plano corren los créditos.
Este último plano resulta el cierre perfecto para la película, ya que la resume en una hermosa metáfora de la sonrisa después del llanto "la calma después de la tormenta". Resulta una liberación interna y una esperanza para el futuro. Y el hecho de que sea Claudia, que es el personaje que muestra más dolor y trauma interno -además de ser el primer personaje que creó Paul Thomas Anderson para la película-, enfatiza la existencia de esa "luz al final del túnel".
Para enfatizar este sentimiento suena de fondo la última canción de Aimee Mann para la película: Save Me. Esta canción habla de una súplica para un rescate ante el atascamiento en la vida. Ante los miedos y los dolores. Esta súplica fue concedida en la película para todos aquellos personajes. Y termina con transmitir aquel sentimiento de que no importa cuán mal estés, en algún momento llegará una oportunidad de estar mejor y si decides tomarla serás salvado.
Pero la película no sólo es brillante por el excelente guión. Sino que en cuestiones técnicas se luce: El ritmo mantiene a uno frente a la pantalla durante las más de tres horas de duración. Utiliza un lenguaje transitorio, variado y brillante para cambiar entre las varias historias. Ya sea por la letra de una canción que tiene que ver con la siguiente, la lluvia, el tipo de plano, e incluso expresiones o movimientos de cámara.
La fotografía refleja cada sensación que tienen los personajes. Más oscura, brillante, sensible, agradable.
No hay cuarto que no posea una pintura de una flor. Incluso en la introducción hay flores en los cuartos.
Las actuaciones de todos los actores son espectaculares. Reflejan todo lo que es su respectivo personaje, sin llegar a parecer pretenciosos o sobreactuados. Se convierten en los personajes y dejan de ser simplemente ellos mismos.
En todos los sentidos esta película es una obra maestra del cine.
Mientras la ve uno se enfrenta con sí mismo, con sus demonios, con su pasado, con su presente y con su futuro. Más allá de decirle a uno qué hacer. Pone a cualquiera en aquel lugar y da ánimos para salir adelante. Los sentimientos que transmite a cada momento son fuertes y se van intensificando conforme la película avanza.
Son de las mejores tres horas de montaña rusa de sentimientos que uno puede tener. Y por todo esto armado es que esta es mi película favorita.

Sobre Emily Wells y su álbum perdido: Music For Geek Love

Esta primera crítica es sobre un álbum de una talentosa artista que llevo un año escuchando y recomiendo totalmente: Emily Wells. La conocí por una de las películas más surreales del 2013: Stoker. De tal película hablaré en otra entrada, pero en resumen, es una película acerca de una joven que está encontrando su identidad, y descubre que es mucho más oscura de lo que ella esperaba.
Al final de la película suena una canción que tiene una estructura entre rap y trip-hop, cuyo ambiente y letra remite a uno a todo lo que es el personaje con frases como: "Atrapada en la ropa de mis padres" o "Todos reían, pensaban que era escombros, pero era libre" -Para quien le interese, el nombre de la canción es: Becomes the Color.
No sé si se han puesto en el lugar de los compositores de canciones de las películas. Pero si lo han hecho, se darán cuenta que no es fácil retratar todo lo que es un personaje en una sola pieza de pocos minutos. Simplemente piensen en cuántas canciones logran tal cosa realmente. Ahí se refleja el talento del compositor. Y al darme cuenta de esto, me puse a buscar más y más de tal artista que logró hacer tal cosa para ver si me gustaba.
Al ser un artista desconocido, me costó mucho encontrar dónde encontrar los álbumes de ésta. En especial los que hizo independientemente, antes de ser producida. Pero lo logré. Y me di cuenta que ella era una artista que tenía de varios tipos de géneros mezclados. Con canciones que no se parecen entre esta; que va desde folk, rap, hip-hop, trip-hop, toques repentinos de rock, influencia de música clásica, baladas de dream-pop e incluso electrónica.
E incluso más me impresionó al ver sus videos en vivo, donde está ella sola con varios instrumentos a su alrededor y una máquina sintetizador en frente. Y lo que hacía era crear al principio distintos loops de fragmentos con cada instrumento que tuviera al lado y ya habiendo hecho esto comienza a cantar. El resultado de aquella sincronía tan bien lograda es que parezca que detrás de ella hay toda una banda, cuando realmente ella está sola.
Anteriormente dije que había encontrado todo lo que había de ella en internet. Pero había un problema: Uno de sus primeros álbumes no se encontraba en ningún lado, sólo se conocía el nombre. Después de una extensa búsqueda, encontré una crítica perdida en el 2004 que hablaba de aquel álbum como su más experimental y también su más largo: 18 canciones de aproximadamente catorce canciones.
Sonaba tan tentador tal álbum, que el hecho de no encontrarlo se volvió lo más frustrante del mundo.
Durante casi un año lo busqué en internet una vez al mes. Y después de encontrarme con decenas de links falsos, traducir páginas de otros países y estresarme durante horas, por fin lo encontré en una página de descargas rusa. Al parecer algún ruso lo acababa de subir el día anterior.
Realmente yo me esperaba un link falso, pero después de la hora de tensión que duró la descarga, descubrí con alegría que era real.
Y aún con más alegría descubrí que tal álbum era único y muy de mi gusto particular.

Ahora que conté mi historia, comenzaré como debí haber comenzado esta entrada: Hablando del supuesto álbum, canción por canción.
Éste es un álbum ordenado por varios temas distintos. Este álbum reúne todos los géneros que ella trata. Principalmente Rap, Hip-Hop, Folk y Trip-Hop.
Como paréntesis menciono que no soy fanático de ninguno de los primeros tres géneros previamente mencionados, pero a la hora de mezclarlos se consigue un resultado sumamente interesante.
Éste álbum, que se llama "Music for Geek Love". Es un álbum conceptual que parece tratar de las etapas de duelo de un rompimiento amoroso con letras que parecen también hablar de una crítica social. Pero esta es solamente mi interpretación que podría estar totalmente equivocada.
Bueno. Aquí va:
El álbum comienza con la canción Afternoon. Una canción instrumental que comienza con un piano "divertido" y termina con toques de hip-hop.
Su segunda canción es Orchard: Una canción de letra oscura, con influencia del rap y el trip-hop: "El día en que mi infancia murió por vejez y una pierna rota me mantuve despierta, comí mis errores recordé un para siempre". Esta canción inicia con unos gemidos y termina cantando el coro de la letra con gritos de desesperación. Quizás sea una canción que habla del sexo de despedida.
Continúa con otra canción influenciada por el rock del grupo: Jimi James and the Blue Flames (de hecho el título de la canción es Jimi James and the Blue Flames). Desde los primeros segundos de la canción se nota aquel estilo particular de aquel joven músico que murió a los 27 -y no me refiero ni a Jim Morrison ni a Janis Joplin ni a Kurt Cobain, y mucho menos a Amy Winehouse- me refiero al legendario Jimi Hendrix. Simplemente, con haber escuchado el famoso cover de Bob Dylan que, fue icónico de la guerra de Vietnam: All Along The Watchtower, uno puede notar el estilo del guitarrista en esta canción. Y a pesar de eso, no deja de ser auténtica, ya que la canción cuenta con ciertos toques experimentales cerca del final ¿Tendrá que ver con el abandono prematuro, ya que tal banda sólo duró un año?
La cuarta canción es No Way I'm Going, que al igual que varias canciones del álbum es folklórica. Pero al no ser mi estilo sólo diré que según mi interpretación habla del aprisionamiento de la víctima del rompimiento desde el título. La etapa en la cuál se culpa a sí misma por lo que ocurrió. Y cómo está atrapada en ella misma: "de todos modos no puedo cambiar".
La pista número cinco me gusta mucho más: El nombre de ésta es Blood. Comienza con violines y un canto lento del estilo de Portishead. Continúa con un rap que habla de la violencia, que se puede interpretar como la locura de estar atrapado dentro de la locura de aquella depresión. El personaje siente que no hay manera de salir como si estuviera en un manicomio: "Escucha al doctor". Me divierte mucho que una de las frases de la canción dice: "Me estás matando como Hitchcock".
Ahora va una de mis canciones favoritas del álbum, y de la artista: E.E. Cummings. Es una canción que habla del comienzo de la etapa de negociación del duelo después de aquella pérdida amorosa: Cómo en la depresión está llena de dolor. No quiere sentir más amor. Quiere huir y se siente sin lugar: "No tengo un amor porque estoy en la fuga". El sonido de esta canción es una molesta balada con una simple guitarra acústica. Pero en el canto se siente el dolor que ella, o el personaje que describe está sintiendo o sintió.
De ésta sigue una canción con un ritmo a compás constante que recuerda a un reloj. El nombre de ésta es One I Love. Esta, a diferencia de la canción anterior habla de una esperanza del regreso de un amor. "Eres a quien yo amo y siempre regresas a mí". Esta canción es el mayor exponente de aquella etapa de negación. Cómo recae al completo dolor.
Habiendo terminado esta canción esperanzadora, va la canción más dura que tiene esta artista. Y este humor de la canción va desde el nombre: Fuck You. En la cuál ofende a ésta persona tan insensible que le rompió el corazón. La etapa de la ira: "Tendrás tu merecido, manipulador, hablador masturbador, falso de dos caras, maldito odiador de la música, distorsionador, aguafiestas, por favor cabrón, no te volveré a ver". En esta canción entra el rap y la electrónica. Además con un sintetizador hace varias voces que van desde una extremadamente grave, hasta una voz de ardilla. Y en todas las voces ofende a aquel personaje llamándole "completo inepto" una de las canciones más experimentales del álbum.
De aquí sigue un instrumental psicodélico llamado Church. Quizás remita al aburrimiento del órgano de una iglesia por la repetición. Podría servir perfectamente para un soundtrack de una película de la vida en el mar. Pero aplicado a mi interpretación del álbum conceptual puede ser acerca de cómo no se siente que pasa el tiempo.
De aquí sigue la siguiente canción, llamada Blame. La segunda canción folklórica del álbum. Esta canción habla de cómo se echa toda la culpa a sí misma "No tengo a nadie que culpar por los problemas de mi mente".
La siguiente canción es Conscious. Esta, es una balada con influencias del jazz. Es la etapa de negociación. De cómo al intentar adaptarse a su entorno esta intentando revivir a pesar de sentirse "del color de un tomate podrido" y dice que ahora "está consciente".
Continúa con otra canción folklórica con una guitarra del estilo de Bob Dylan: London Bridges y viene con un doble sentido: Utiliza una letra de crítica social y anarquía para hablar de cómo el dolor hace que sienta que su mundo que conocía se esta desmoronando. En esta canción, a decir verdad, la interpretación de etapa de duelo la siento casi pretenciosa; pero funciona así que me mantendré sobre esta.
Ahora pasa a una canción de la fase del dolor emocional llamada All The Way In. Esta canción incluye violines, es lenta, y melancólica. Habla de cómo extraña a esa persona, cómo no puede dormir en las noches y cómo en el día le duele el corazón. Ella quiere superar ese dolor.
La siguiente canción es la que tiene el mismo nombre del álbum: Music for Geek Love. Esta parece hablar de cómo hace el esfuerzo para poder superar el dolor y se intenta convencer a sí misma. Tiene una repetición pegajosa con el mismo tono de piano que se repite. Las mismas percusiones. La misma manera de decir: "Music for geek love". Lo único que cambia en la canción es el violín que va progresando y lleva a uno a través de la música.
Sigue el cuarto instrumental del álbum llamado Saga. Que es una composición muy rítmica que composiciones repetitivas, pero a la vez divertidas. Quizás quiera referirse a esa sensación de cómo no pasa el tiempo en aquel duelo puede ser la saga del duelo. Son cuatro minutos de un ritmo parecido, y por aquellos mínimos cambios de la canción que hay. Como el piano cada vez se hace más presente.
El álbum continúa con la canción más experimental que la artista tiene, llamada Teach Me (Original). El paréntesis es porque es un cover propio de una canción que tiene en su álbum anterior -Ésta otra no contiene paréntesis. Lo curioso es que la versión anterior era una balada relajante y más agradable al oído. Esta versión la canta como un llanto. Los violines son chillones y la letra habla de cómo lo extraña. De cómo mejorará si le enseña qué pasará. Que lo perdonará y aprenderá si regresa. A pesar de que la versión anterior es mucho más agradable, esta expresa mucho mejor el significado de la letra sonoramente.
La que sigue es la última canción con letra. Se llama Passing Over y habla de cómo por fin está aceptando aquel abandono. La fase de aceptación del duelo. La voz del canto, más que apasionada, ahora es melancólica, monótona. Es aquel "Ok" que uno se pone a la hora de aceptarlo. Después en la canción habla de cómo a pesar de que la lastimó lo acepta y comienza a superar esta pérdida del hombre de sus sueños que la abandonó.
El álbum cierra con un hermoso instrumental llamado Piano Love. Es un piano triste y hermoso que es como la canción de los créditos de una película sobre el dolor. Cómo aún le duele, pero sin embargo por fin lo está superando. El piano va acelerando mientras se acerca el final de la canción y provoca cierta calma dentro de la angustia. La música es una liberación.

Aquí termina el álbum. A decir verdad, cuando comencé a escribir esta crítica sólo tenía pensado hablar de la sonoridad y hacer un guiño a las letras. No capté ese concepto hasta que conecté los temas de las canciones. Pensaba que el álbum era una crítica hacia cómo la sociedad ve a la mujer, al punto que hay mujeres que también se ven así; de la gente que idealiza el amor, a los falsos artistas.
Creí que la canción de Jimi James and the Blue Flames era un simple tributo al cantante. Que Blood era acerca del crimen y la prisión. Que Fuck You iba dirigida a una persona odiosa. Que London Bridges era una canción de anarquía. Que passing over hablaba de la pobreza.
En sí una crítica social.
Quizás sea eso y si Emily Wells leyera esto, me podría decir que estoy completamente equivocado.
Pero al igual que en el cine, al hacer arte alguien talentoso tiene la capacidad de hacerlo todo intencional y conscientemente. Y el hecho de que el humor de las letras vaya al mismo ritmo que las etapas de duelo dudo que sea coincidencia. Añadido a que el álbum se llama Music for Geek Love en vez de cualquier otro título de canción es otra cosa que apoya mi teoría.
No lo sé. Es simplemente una posibilidad. Y si el álbum es como yo lo interpreto resultaría más interesante, ya que utilizando estados de crítica social, a la vez utiliza estados de ánimo para hablar de un duelo amoroso.

Pero bueno. Al final sólo soy un lunático que da su lunática opinión sobre un álbum que pocos conocen. ¿Eso me vuelve hipster? Espero que no. Desde mi punto de vista simplemente sigo mis propios gustos pero eso no depende de mí ¿Verdad?
Estoy divagando de nuevo.
Si leíste la crítica hasta acá, quiero decirte que te respeto ya que algo tan largo incluso a mí me daría flojera leerlo.