Esta primera crítica es sobre un álbum de una talentosa artista que llevo un año escuchando y recomiendo totalmente: Emily Wells. La conocí por una de las películas más surreales del 2013: Stoker. De tal película hablaré en otra entrada, pero en resumen, es una película acerca de una joven que está encontrando su identidad, y descubre que es mucho más oscura de lo que ella esperaba.
Al final de la película suena una canción que tiene una estructura entre rap y trip-hop, cuyo ambiente y letra remite a uno a todo lo que es el personaje con frases como: "Atrapada en la ropa de mis padres" o "Todos reían, pensaban que era escombros, pero era libre" -Para quien le interese, el nombre de la canción es: Becomes the Color.
No sé si se han puesto en el lugar de los compositores de canciones de las películas. Pero si lo han hecho, se darán cuenta que no es fácil retratar todo lo que es un personaje en una sola pieza de pocos minutos. Simplemente piensen en cuántas canciones logran tal cosa realmente. Ahí se refleja el talento del compositor. Y al darme cuenta de esto, me puse a buscar más y más de tal artista que logró hacer tal cosa para ver si me gustaba.
Al ser un artista desconocido, me costó mucho encontrar dónde encontrar los álbumes de ésta. En especial los que hizo independientemente, antes de ser producida. Pero lo logré. Y me di cuenta que ella era una artista que tenía de varios tipos de géneros mezclados. Con canciones que no se parecen entre esta; que va desde folk, rap, hip-hop, trip-hop, toques repentinos de rock, influencia de música clásica, baladas de dream-pop e incluso electrónica.
E incluso más me impresionó al ver sus videos en vivo, donde está ella sola con varios instrumentos a su alrededor y una máquina sintetizador en frente. Y lo que hacía era crear al principio distintos loops de fragmentos con cada instrumento que tuviera al lado y ya habiendo hecho esto comienza a cantar. El resultado de aquella sincronía tan bien lograda es que parezca que detrás de ella hay toda una banda, cuando realmente ella está sola.
Anteriormente dije que había encontrado todo lo que había de ella en internet. Pero había un problema: Uno de sus primeros álbumes no se encontraba en ningún lado, sólo se conocía el nombre. Después de una extensa búsqueda, encontré una crítica perdida en el 2004 que hablaba de aquel álbum como su más experimental y también su más largo: 18 canciones de aproximadamente catorce canciones.
Sonaba tan tentador tal álbum, que el hecho de no encontrarlo se volvió lo más frustrante del mundo.
Durante casi un año lo busqué en internet una vez al mes. Y después de encontrarme con decenas de links falsos, traducir páginas de otros países y estresarme durante horas, por fin lo encontré en una página de descargas rusa. Al parecer algún ruso lo acababa de subir el día anterior.
Realmente yo me esperaba un link falso, pero después de la hora de tensión que duró la descarga, descubrí con alegría que era real.
Y aún con más alegría descubrí que tal álbum era único y muy de mi gusto particular.
Ahora que conté mi historia, comenzaré como debí haber comenzado esta entrada: Hablando del supuesto álbum, canción por canción.
Éste es un álbum ordenado por varios temas distintos. Este álbum reúne todos los géneros que ella trata. Principalmente Rap, Hip-Hop, Folk y Trip-Hop.
Como paréntesis menciono que no soy fanático de ninguno de los primeros tres géneros previamente mencionados, pero a la hora de mezclarlos se consigue un resultado sumamente interesante.
Éste álbum, que se llama "Music for Geek Love". Es un álbum conceptual que parece tratar de las etapas de duelo de un rompimiento amoroso con letras que parecen también hablar de una crítica social. Pero esta es solamente mi interpretación que podría estar totalmente equivocada.
Bueno. Aquí va:
El álbum comienza con la canción Afternoon. Una canción instrumental que comienza con un piano "divertido" y termina con toques de hip-hop.
Su segunda canción es Orchard: Una canción de letra oscura, con influencia del rap y el trip-hop: "El día en que mi infancia murió por vejez y una pierna rota me mantuve despierta, comí mis errores recordé un para siempre". Esta canción inicia con unos gemidos y termina cantando el coro de la letra con gritos de desesperación. Quizás sea una canción que habla del sexo de despedida.
Continúa con otra canción influenciada por el rock del grupo: Jimi James and the Blue Flames (de hecho el título de la canción es Jimi James and the Blue Flames). Desde los primeros segundos de la canción se nota aquel estilo particular de aquel joven músico que murió a los 27 -y no me refiero ni a Jim Morrison ni a Janis Joplin ni a Kurt Cobain, y mucho menos a Amy Winehouse- me refiero al legendario Jimi Hendrix. Simplemente, con haber escuchado el famoso cover de Bob Dylan que, fue icónico de la guerra de Vietnam: All Along The Watchtower, uno puede notar el estilo del guitarrista en esta canción. Y a pesar de eso, no deja de ser auténtica, ya que la canción cuenta con ciertos toques experimentales cerca del final ¿Tendrá que ver con el abandono prematuro, ya que tal banda sólo duró un año?
La cuarta canción es No Way I'm Going, que al igual que varias canciones del álbum es folklórica. Pero al no ser mi estilo sólo diré que según mi interpretación habla del aprisionamiento de la víctima del rompimiento desde el título. La etapa en la cuál se culpa a sí misma por lo que ocurrió. Y cómo está atrapada en ella misma: "de todos modos no puedo cambiar".
La pista número cinco me gusta mucho más: El nombre de ésta es Blood. Comienza con violines y un canto lento del estilo de Portishead. Continúa con un rap que habla de la violencia, que se puede interpretar como la locura de estar atrapado dentro de la locura de aquella depresión. El personaje siente que no hay manera de salir como si estuviera en un manicomio: "Escucha al doctor". Me divierte mucho que una de las frases de la canción dice: "Me estás matando como Hitchcock".
Ahora va una de mis canciones favoritas del álbum, y de la artista: E.E. Cummings. Es una canción que habla del comienzo de la etapa de negociación del duelo después de aquella pérdida amorosa: Cómo en la depresión está llena de dolor. No quiere sentir más amor. Quiere huir y se siente sin lugar: "No tengo un amor porque estoy en la fuga". El sonido de esta canción es una molesta balada con una simple guitarra acústica. Pero en el canto se siente el dolor que ella, o el personaje que describe está sintiendo o sintió.
De ésta sigue una canción con un ritmo a compás constante que recuerda a un reloj. El nombre de ésta es One I Love. Esta, a diferencia de la canción anterior habla de una esperanza del regreso de un amor. "Eres a quien yo amo y siempre regresas a mí". Esta canción es el mayor exponente de aquella etapa de negación. Cómo recae al completo dolor.
Habiendo terminado esta canción esperanzadora, va la canción más dura que tiene esta artista. Y este humor de la canción va desde el nombre: Fuck You. En la cuál ofende a ésta persona tan insensible que le rompió el corazón. La etapa de la ira: "Tendrás tu merecido, manipulador, hablador masturbador, falso de dos caras, maldito odiador de la música, distorsionador, aguafiestas, por favor cabrón, no te volveré a ver". En esta canción entra el rap y la electrónica. Además con un sintetizador hace varias voces que van desde una extremadamente grave, hasta una voz de ardilla. Y en todas las voces ofende a aquel personaje llamándole "completo inepto" una de las canciones más experimentales del álbum.
De aquí sigue un instrumental psicodélico llamado Church. Quizás remita al aburrimiento del órgano de una iglesia por la repetición. Podría servir perfectamente para un soundtrack de una película de la vida en el mar. Pero aplicado a mi interpretación del álbum conceptual puede ser acerca de cómo no se siente que pasa el tiempo.
De aquí sigue la siguiente canción, llamada Blame. La segunda canción folklórica del álbum. Esta canción habla de cómo se echa toda la culpa a sí misma "No tengo a nadie que culpar por los problemas de mi mente".
La siguiente canción es Conscious. Esta, es una balada con influencias del jazz. Es la etapa de negociación. De cómo al intentar adaptarse a su entorno esta intentando revivir a pesar de sentirse "del color de un tomate podrido" y dice que ahora "está consciente".
Continúa con otra canción folklórica con una guitarra del estilo de Bob Dylan: London Bridges y viene con un doble sentido: Utiliza una letra de crítica social y anarquía para hablar de cómo el dolor hace que sienta que su mundo que conocía se esta desmoronando. En esta canción, a decir verdad, la interpretación de etapa de duelo la siento casi pretenciosa; pero funciona así que me mantendré sobre esta.
Ahora pasa a una canción de la fase del dolor emocional llamada All The Way In. Esta canción incluye violines, es lenta, y melancólica. Habla de cómo extraña a esa persona, cómo no puede dormir en las noches y cómo en el día le duele el corazón. Ella quiere superar ese dolor.
La siguiente canción es la que tiene el mismo nombre del álbum: Music for Geek Love. Esta parece hablar de cómo hace el esfuerzo para poder superar el dolor y se intenta convencer a sí misma. Tiene una repetición pegajosa con el mismo tono de piano que se repite. Las mismas percusiones. La misma manera de decir: "Music for geek love". Lo único que cambia en la canción es el violín que va progresando y lleva a uno a través de la música.
Sigue el cuarto instrumental del álbum llamado Saga. Que es una composición muy rítmica que composiciones repetitivas, pero a la vez divertidas. Quizás quiera referirse a esa sensación de cómo no pasa el tiempo en aquel duelo puede ser la saga del duelo. Son cuatro minutos de un ritmo parecido, y por aquellos mínimos cambios de la canción que hay. Como el piano cada vez se hace más presente.
El álbum continúa con la canción más experimental que la artista tiene, llamada Teach Me (Original). El paréntesis es porque es un cover propio de una canción que tiene en su álbum anterior -Ésta otra no contiene paréntesis. Lo curioso es que la versión anterior era una balada relajante y más agradable al oído. Esta versión la canta como un llanto. Los violines son chillones y la letra habla de cómo lo extraña. De cómo mejorará si le enseña qué pasará. Que lo perdonará y aprenderá si regresa. A pesar de que la versión anterior es mucho más agradable, esta expresa mucho mejor el significado de la letra sonoramente.
La que sigue es la última canción con letra. Se llama Passing Over y habla de cómo por fin está aceptando aquel abandono. La fase de aceptación del duelo. La voz del canto, más que apasionada, ahora es melancólica, monótona. Es aquel "Ok" que uno se pone a la hora de aceptarlo. Después en la canción habla de cómo a pesar de que la lastimó lo acepta y comienza a superar esta pérdida del hombre de sus sueños que la abandonó.
El álbum cierra con un hermoso instrumental llamado Piano Love. Es un piano triste y hermoso que es como la canción de los créditos de una película sobre el dolor. Cómo aún le duele, pero sin embargo por fin lo está superando. El piano va acelerando mientras se acerca el final de la canción y provoca cierta calma dentro de la angustia. La música es una liberación.
Aquí termina el álbum. A decir verdad, cuando comencé a escribir esta crítica sólo tenía pensado hablar de la sonoridad y hacer un guiño a las letras. No capté ese concepto hasta que conecté los temas de las canciones. Pensaba que el álbum era una crítica hacia cómo la sociedad ve a la mujer, al punto que hay mujeres que también se ven así; de la gente que idealiza el amor, a los falsos artistas.
Creí que la canción de Jimi James and the Blue Flames era un simple tributo al cantante. Que Blood era acerca del crimen y la prisión. Que Fuck You iba dirigida a una persona odiosa. Que London Bridges era una canción de anarquía. Que passing over hablaba de la pobreza.
En sí una crítica social.
Quizás sea eso y si Emily Wells leyera esto, me podría decir que estoy completamente equivocado.
Pero al igual que en el cine, al hacer arte alguien talentoso tiene la capacidad de hacerlo todo intencional y conscientemente. Y el hecho de que el humor de las letras vaya al mismo ritmo que las etapas de duelo dudo que sea coincidencia. Añadido a que el álbum se llama Music for Geek Love en vez de cualquier otro título de canción es otra cosa que apoya mi teoría.
No lo sé. Es simplemente una posibilidad. Y si el álbum es como yo lo interpreto resultaría más interesante, ya que utilizando estados de crítica social, a la vez utiliza estados de ánimo para hablar de un duelo amoroso.
Pero bueno. Al final sólo soy un lunático que da su lunática opinión sobre un álbum que pocos conocen. ¿Eso me vuelve hipster? Espero que no. Desde mi punto de vista simplemente sigo mis propios gustos pero eso no depende de mí ¿Verdad?
Estoy divagando de nuevo.
Si leíste la crítica hasta acá, quiero decirte que te respeto ya que algo tan largo incluso a mí me daría flojera leerlo.
